【C】关于捕捉。建议倍速观看。

从《静态自杀》到《布吉伍吉单程路》再到《鲁尔区》之后的纪录影像，我们能看到詹姆斯·班宁对影像本体的不断提纯与进化，即走向一种绝对的“静观”。在《布吉伍吉》中，我们还能看到摄影机的微晃与强烈的运动噪点勾连而出的某种寓于静止中的运动性。而在《鲁尔区》中，数字摄影与无缝剪辑消泯了摄影技术上的偶然性，并将这种偶然性重新交予被摄物（现实），这当然在某种程度上体现着直接电影的内在逻辑，并且运动噪点、速度性与具身华体感本身便是从美国默片喜剧时期延续至今的某种影像传统，因此班宁的后期转变才尤为珍贵，他对静观的兴趣使他走向了另外一条截然相反的道路——一种“数字化”的阿巴斯、蔡明亮与阿彼察邦的静滞谱系中。

9。自然光线和数字感叠加的独特色彩。末日气氛、超现实的工业氛围。声画关系时而分离。结构主义。蒙德里安。

7.5/10。60个长镜头组成，拍的是密尔沃基市附近的各种工业区景观。这些长镜头全都是固定，且画面内并无太多事情发生，从而奠定了一种静谧的影调。此外影片音响舒适，这让观众在静谧影调的基础上可以对影片中人与物那些看似普通的形态与微妙的幽默有所沉思与回味，从这些平淡/平凡中品味出隽永的味道与喜感。不过本片这种过分拉长长镜头的做法导致影像表达极冗余。

我在殺時間，趴在桌子上，靠在椅子上，心不在焉地看，凝神地看，完全交出自己，跟隨流動，心甘情願被騙，無數靜止的點，靜止的畫面在欺騙著我的視覺，但視覺本身就是一種欺騙的機制，那些靜止的，在影像裏連成世界真實的記憶。

8.3看过其后来的作品后，这个画质，仍然是损害了这部电影的（经27年后的清晰版本增加1星，画质的缺陷对影片的损害不再存在）

8.5+如履仙境，由音效，颜色与物体的运动构建出来的纯粹的知觉体验，在短瞬间捕捉微妙的感官冲击，实际上也算是某种视觉奇观。双胞胎对称的那个镜头来来回回看了好几遍，拍的太奇妙了。

当代影像里总有一部分作品十分存在主义，导演是不是该让自己透透气。

相比于阿巴斯的《24幀》，更喜欢这一部电影。它能给人很多想象，也可以选择在荧幕前发呆。

好奇妙，有种第一次看电影的感觉。嗦不粗话。

看似静止，实则充满着运动，看似纪录，实则更近行为艺术。每一个镜头的色彩、构图都极具美感，画面被镜头箍住，画外的空间却仿佛无尽无止，在镜头内期待着事件，同时期待新的镜头，充满着机关，秘密与错觉。

影像明确的长度提供了本体上的闭合：生物学上的死亡赋予了时间性，影片同时也因为一个结束的律令获得了前端的自由。而班宁的自由则属于静观之中埋藏的运动走向与通过拼凑影像来对时间观进行提问的主体实践。对于一个开放的情境来说，一切皆有可能发生但唯独摄影机的存在不会消泯，指向画内的是一种既定的发生的事实，这便是运动的绝对性。同时静观也提供了一种对线性时间的尝试抹除，体感的时间流淌同影片规定的缓慢终结之中产生了撕裂。而那些属于运动的表现则是一个标记，他是稳固之中产出的不和因子，这样的对比击碎了影片始终会持续下去的触感。而拼凑的画面也作为一种无尽的塞满影像的倾向，对比《持摄影机的人》这种对人眼功能的极限尝试来说，它并无心展示肉体的可能性，它所在意的是在重复时间中出现的某些不会跟随情境终结的感觉和意识。

哪怕是欣赏一幅风景画，站个一分钟要求相当合理了。各种构图与色彩，还有各种泊车入位orz

不论是色彩结构还是动作节奏，都十分的精妙有趣，还带有一丝意想不到的幽默感。8.0分★★★★

【4.5+】一些明艳的大色块让人着迷。静止画框同恒定流速组成的时空限制内是动态的复演：我们明知即将逝去却仍旧观看的渴望，与那刺破的瞬间。震颤或欢愉的单位，整体可视作一次艺术展览。

好有趣，这时候的Benning就开始通过独特的组织与一些人为巧思的添加来微妙地“修改现实”了，整个片子的闲淡幽默气质与突发变奏甚至有些RoyAndersson

匮乏到无法察觉那延迟的状态,一些闲散的流荡行为已经满足不了身与心的同步感知.-而残缺的场景却有某种程度上的微调,还原了未被泛滥化的况味。

超越了一般的文字稿式展览电影，某些时刻幻视到曾经蔡明亮致力追求的影像力量

超渣录像带画质也挡不住可赏性...

聚焦场景本身，和一些或自然或人为的运动，幽默感在于捕捉。我们在共享这种乐趣，因为我们也在猎取这些运动。

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